«Риголетто» остается в репертуаре Урал Оперы с первого сезона, лишь время от времени меняя сценический наряд. Новой постановкой оперы Верди в нашем театре дебютирует Алексей Франдетти — режиссер, актер, автор и переводчик либретто, двукратный обладатель премии «Золотая маска». Франдетти обрел признание как режиссер мюзиклов, и екатеринбургский зритель знает его по нескольким работам в Театре музыкальной комедии.
«Наша версия „Риголетто“ — психологический триллер, оммаж Альфреду Хичкоку — и по тому, как я вижу вердиевскую историю изнутри и работаю с артистами над ролями, и по визуальной составляющей. Нам важно поговорить о природе „залюбленности“ — о тех катастрофах в человеческих отношениях, к которым ведут чрезмерные любовь и опека. Для меня тема любви Риголетто к своей дочери является в опере главной».
Премьера станет инаугурацией нового главного дирижера театра — Константина Чудовского. Для работы над спектаклем он пригласил итальянского вокального педагога Массимилиано Булло, в течение сорока лет служившего в миланском Ла Скала: «Маэстро Булло, выросший рядом с великим Риккардо Мути, станет нашим проводником в итальянскую музыку, — о которой мы в России имеем весьма поверхностное представление. Вместе мы уже поставили восемь итальянских опер, разбирая каждую партитуру по тактам: могу сказать, что впитал опыт старых мастеров Ла Скала, и теперь хочу, чтобы свое невероятное мастерство педагог передал екатеринбургским певцам».
Традиция «модных гала» существует в крупнейших мировых балетных компаниях — самые известные из них устраивает New York City Ballet. В России такой формат ввел Урал Балет: гала, которые завершали сезон 2017/2018, собрали переполненные залы. Театр возвращается к этому формату. Основу программы вновь составляют фрагменты классических балетов — «Щелкунчик», «Тщетная предосторожность», «Баядерка» и других, — а российские дизайнеры одежды по заказу театра создают для исполнителей новые наряды. Хореографию, которая кажется нам хорошо знакомой, предлагается увидеть свежим взглядом — проявить ее эмоциональный заряд, отойти от клишированных балетных и «балетных» образов.
В новых, подчас неожиданных, образах предстают и артисты Урал Балета: нынешний Fashion Gala станет также и презентацией труппы, которую в новом сезоне пополнили выпускники хореографических школ из России, Германии и Нидерландов.
В программе состоится несколько премьер: новые миниатюры специально для концерта ставят хореографы Урал Балета — Антон Пимонов, Игорь Булыцын, Константин Хлебников, Екатерина Кузнецова.
Наконец, Fashion Gala, как и в прошлый раз, станет выставкой огромных живописных полотен, которые являются частью сценографии в постановках Урал Балета. Изъятые из контекста спектаклей, они превращаются в самоценные арт-объекты впечатляющих масштабов — будь то репродукция «Ирисов» Ван Гога или коллаж из гравюр Гойи и старинных афиш размером 1011 метров. полная программа каждого из концертов будет объявлена особо исполняется под фонограмму
Начиная работу над «Евгением Онегиным», Чайковский понимал, что в пределах одной оперы невозможно развернуть «энциклопедию русской жизни», как называют роман в стихах Пушкина, и передать всю соль пушкинских лирических отступлений. Он создал почти камерное сочинение, соразмерное слушателю — сосредоточился на интимной стороне повествования, в каждом из трех актов поочередно показав крупным планом Татьяну, Ленского и Онегина.
Чайковский не желал оставлять зрителя на почтительной дистанции от сцены, как это часто бывает в оперном театре: отказался от стилизаций в духе пушкинского времени в пользу современного музыкального языка, первое исполнение в 1879 году поручил консерваторским студентам, то есть ровесникам персонажей, — и жанр своего «Евгения Онегина» определил как лирические сцены, отказавшись от слова «опера».
Авторы постановки в Урал Опере следовали авторской идее — не отгораживаться от зрителя «подлинным» историческим антуражем, приблизить действие к публике, среди которой, возможно, прямо сейчас сидят такие же молодые и неопытные Татьяны и Ленские. Точное время и место действия спектакля назвать затруднительно. Они не столь важны. Постановщики высветили то общечеловеческое, что оставалось важным и неизменным в пушкинскую эпоху, во времена Чайковского и сегодня — трепет первой любви и разочарование в ней, власть прекрасных иллюзий и власть привычки, что «свыше нам дана».
В 2016 году музыкальный мир отметит 125 лет со дня рождения великого композитора, и первой прокофьевской премьерой в Екатеринбургском театре оперы и балета станет «Ромео и Джульетта» в оригинальной хореографии Вячеслава Самодурова.
Первую версию знаменитой шекспировской истории любви хореограф ставил по заказу Королевского балета Фландрии в 2014 году, премьеры состоялись в Антверпене и Генте.
Но для екатеринбургской сцены он готовит новый спектакль, прихватив из бельгийской постановки лишь несколько оригинальных идей: огромную трехъярусную конструкцию, отсылающую к знаменитому шекспировскому театру «Глобус», платья с принтами картин художников эпохи Возрождения и длинными шлейфами, обеспечивающими особую навигацию дамам на балу.
На этот раз Самодуров не просто сочиняет танцы, но ставит своим артистам серьезные актерские задачи, с которыми им не приходилось сталкиваться прежде ни в одном из его спектаклей.
Три года понадобилось, чтобы Чайковский согласился на уговоры сочинить для Императорских театров оперу на сюжет пушкинской «Пиковой дамы». Музыка была написана за 44 дня. 128 лет, что прошли со дня премьеры, постановщики пытаются разрешить загадки и противоречия «Пиковой дамы» — это, возможно, самая загадочная русская опера. Когда происходит действие, если гости на балу ожидают прибытие Екатерины II, а до тех пор звучат романсы на стихи пушкинского времени? Как объяснить столь резкие перемены музыкального языка: от томительного любовного дуэта в духе современника Чайковского Вагнера — к пасторали, которую порой всерьез принимают за сочинение Моцарта? Наконец, что такое три карты — не выдумал ли их сам безумный Герман?
Режиссер Алексей Степанюк неоднократно ставил «Пиковую даму» в разных театрах и признается, что готов каждый раз заново искать ответы на ее вопросы. Для Урал Оперы он вместе с петербургским художником Игорем Ивановым сделал реплику знаменитой постановки Мариинского театра, где дирижером и режиссером выступил маэстро Юрий Темирканов.
Екатеринбургский спектакль постановщики сравнивают с неторопливой прогулкой по залам Эрмитажа, — а можно сравнить его с путешествием в Петербург. В нем есть и великолепие дворцовых интерьеров, и мистический ночной морок «самого умышленного и отвлеченного города», и патетика речей и поступков обитателей этого города: Чайковский, в отличие от Пушкина, изъял из «Пиковой дамы» всяческую иронию по отношению к происходящему, и заставил слушателей искренне сопереживать героям.
В Екатеринбургском театре это уже 13-я версия «Кармен». Опера вошла в первый театральный сезон 1912-1913 гг., а последний раз была поставлена в 1993-м году. Режиссер новой екатеринбургской «Кармен» Александр Титель в тандеме с художником Владимиром Арефьевым и дирижером Михаэлем Гюттлером (уже известным екатеринбуржцам благодаря постановке «Бориса Годунова» в 2012 году), безусловно, сохранят главный идейный «стержень» оперы.
Основа сюжетной линии — свободная, безудержная и жертвенная любовь. Режиссер-постановщик обращается к первой редакции оперы Бизе с разговорными диалогами. Спектакль обещает сохранить драматизм и накал страстей, сочетая традиционный подход к музыкальному материалу и смелые новаторские идеи. Будет ли совершен перенос действия в иное время и иные обстоятельства в поисках актуальности, пока остается «за занавесом».
Кастаньеты, гитары, тамбурины, плащи, веера, клинки; болеро, сегидилья, фанданго; парад тореадоров на барселонской площади, сон в виде Большого классического па, финальный залп тридцати двух фуэте — и рыцарь с тазом на голове, который путешествует из картины в картину. Так «Дон Кихот» выглядит уже полтора века: хореограф Мариус Петипа сочинил это испанское каприччио с музыкой Людвига Минкуса в 1869 году.
31 год спустя Александр Горский поставил нового «Дон Кихота», взяв сценарий Петипа и музыку Минкуса. Спектакль оформили Константин Коровин и Александр Головин: впервые в балете живописное движение цвета было неразрывно связано с движением танцовщиков. Для русского балета наступила новая эпоха, а постановка Горского стала прототипом почти всех балетных «Дон Кихотов» мира.
Для премьеры в Урал Балете было решено максимально очистить балет Горского от советских наслоений и вернуть ему изначальный облик, используя эскизы Головина и Коровина. Это не реконструкция спектакля 1900 года, — но попытка воссоздать его образ во всех красках.
Не случись Рихарду Вагнеру по пути из Риги в Лондон попасть на море в ужасную бурю, оперный театр недосчитался бы одного из шедевров: отголоски той бури сегодня можно услышать в «Летучем голландце». В основе оперы — легенда о корабле-призраке, который бесприютно скитается по морям. Раз в семь лет капитану судна, Голланду, разрешается сойти на берег, и, если там он встретит девушку, готовую навеки стать его супругой, он будет спасен.
В Урал Опере «Летучий голландец» был поставлен впервые, появившись в репертуаре к 200-летию со дня рождения Вагнера — композитора, который во второй половине XIX века круто изменил путь развития европейского оперного театра. По словам английского режиссера Пола Каррена, это «история о любви, свободе и долге. А еще о том, что если ты идешь против толпы, то нужно быть очень сильным». Его спектакль лаконичен, суров и полон романтической патетики — в совершенном согласии с музыкой Вагнера, слогом старинных легенд и штормовым духом северных морей.
Часто случается, что новые оперы исчезают со сцены после первой постановки. «Три сестры» Петера Этвёша — одного из важнейших современных европейских композиторов — изменили взгляд на современную оперу как на одноразовый театр. В Кембриджском путеводителе по опере ХХ века музыковед Мэрвин Кук назвал «Трёх сестёр» последней значительной оперой прошлого столетия. С 1998 года она выдержала два десятка постановок — и теперь приходит на российскую сцену.
Либретто «Трех сестер» написано на русском языке, и, в отличие от чеховской драмы, действие в нем развивается нелинейно, делясь не на акты, а на «последовательности» — в каждой из них история рассказана с точки зрения одного из персонажей, Ирины, Маши и Андрея. В опере нет хора, но заняты два оркестра (в яме и в глубине сцены) и 13 солистов-мужчин: партии сестер и Натальи написаны для контратеноров. Однако Этвёш также предусмотрел вариант для меццо-сопрано — именно эта редакция прозвучит в Урал Опере. Для постановки в театр впервые приглашен именитый нью-йоркский режиссер Кристофер Олден.
Вслед за «Пахитой», театр вновь посвящает балетную премьеру 200-летию со дня рождения Мариуса Петипа — балетмейстера, который считается создателем классического русского балета. Если в «Пахите» новый спектакль выстраивался вокруг старинного либретто и классической хореографии Петипа, «Приказ короля» целиком создается здесь и сейчас, без цитат и аллюзий. Новая постановка — фантазия по мотивам либретто забытых балетов Петипа. Балет с таким названием Петипа ставил в 1886 году.
В данном случае «приказ короля» — двойная метафора. По сюжету, король повелевает снарядить экспедицию на край света, — но также имеется в виду воля короля Людовика XIV, благодаря которому классический балет оформился как самостоятельный вид искусства: французский монарх лично выступал в придворных балетах и так превратил искусство танца в государственное дело. Поздние балеты-феерии Петипа, в свою очередь, напрямую наследовали придворным зрелищам Короля-Солнце. Спектакль Урал Опера Балета — поклон королю Людовику и Мариусу Петипа, двум главным фигурам в истории классического танца. «Приказ короля» ставит художественный руководитель Урал Балета Вячеслав Самодуров.
Для постановки собрана команда именитых российских музыкантов и художников, прежде не работавших вместе — для многих из них это первый опыт работы в балетном театре.
«Волшебная флейта» — не совсем опера. Это зингшпиль, то есть пьеса с пением на немецком языке — площадной развлекательный жанр, чрезвычайно популярный во времена Моцарта. Музыкальные номера в нем на равных правах соседствуют с продолжительными разговорными частями: иногда зингшпиль называют мюзиклом XVIII столетия. Он позволяет рассказать сколь угодно фантастическую историю — с машинными эффектами и всяческими театральными волшебствами. Именно фантастически-сказочный сюжет и предложил Моцарту антрепренер и либреттист Эммануэль Шиканедер.
Для Урал Оперы британские постановщики придумали разыграть «Волшебную флейту» в стиле стимпанк. Это слово происходит от английского steam, «пар». В конце ХХ века стимпанк стал жанром научной фантастики: викторианская Англия 1850-х, люди бредят научным прогрессом, который приведет человечество к вечному благу; в мире начался индустриальный бум, повсюду устроены лабиринты трубопроводов, действуют паровые машины и фантастические механизмы.
Все это образовало неожиданную связку с сюжетом «Волшебной флейты», главный герой которой, Тамино, в буквальном смысле проходит испытания огнем, водой и медными трубами ради счастья со своей возлюбленной Паминой. Чтобы не дать зрителю ни на минуту отвлечься от действия, режиссер Дэниэл Слейтер переписал разговорные диалоги, а екатеринбургский художник Александр Черепанов нарисовал сопровождающий действие комикс.
Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета отрыл 103-й театральный сезон российской премьерой оперы «Сатьяграха» Филипа Гласса. Оперы современного американского композитора ставятся на сценах лучших театров мира, в том числе в Метрополитен-опере, Английской национальной опере. Российские театры прежде не создавали постановок оперных произведений Гласса.
Опера «Сатьяграха» — портрет философа и политического деятеля Махатмы Ганди, изменившего ход истории силой своего духа. Махатма Ганди внес огромный вклад в возрождение индийской нации, вместе с тем его учение имеет поистине общечеловеческое значение.
Действующими лицами оперы являются исторические личности – Лев Толстой, Рабиндранат Тагор, Мартин Лютер Кинг, а также Бог Кришна и Принц Арджуна, тексты вокальных партий созданы на основе «Бхагавадгиты». Это очень серьезное и глубокое произведение. Благодаря опере «Сатьяграха» зрители получают возможность обратиться к идеям Ганди и заново оценить их современность, актуальность, непреходящую ценность для всего человечества.
Опричник Грязной полюбил боярыню Марфу Собакину, но она просватана за другого, а любовница Грязного Любаша хочет сжить со свету соперницу, которую вскоре избирает своей невестой сам Иван Грозный. Ревность, заговор, яд и приворотное зелье — любовь и смерть, без которых не обходится настоящая опера, безраздельно властвуют в «Царской невесте», одной из лучших классических русских опер.
Николай Римский-Корсаков закончил ее в 1898 году. XIX век на излете, оперный театр порывает со старыми формами в поисках новой выразительности, на горизонте маячат художественные революции следующего столетия — и вдруг в «Царской невесте» в последний раз пышным цветом расцветает все, от чего решительно отказались коллеги Римского-Корсакова. Стихотворное либретто, номерная структура с ариями, дуэтами и ансамблями, мелодраматический пафос и главное — соотношение реально-исторического и вымышленного, народного и частного: хотя действие происходит во времена опричнины, а несостоявшаяся женитьба Марфы Васильевны Собакиной и Ивана Грозного действительно имела место в 1572 году, в «Царской невесте» исторические реалии остаются лишь фоном для человеческой трагедии.
На сцене Урал Оперы идет реплика спектакля Большого театра 1966 года с декорациями и костюмами Федора Федоровского, знаменитого театрального художника советской эпохи. Это образцовая постановка не только в музейном смысле — возможность увидеть в ХХI веке, как выглядела опера полвека тому назад, — но и в смысле эстетическом. Декорации превращают оперный спектакль в еще большую условность — да так, «что слушаешь как зачарованный, ничего не анализируя и не запоминая».
Премьера «Травиаты» в 1853 году ознаменовалась скандалом: героиня — дама полусвета, место и время действия — не далекая страна в легендарную эпоху, а современный композитору Париж. В опере XIX столетия так не могло быть. Публика восприняла оперу как пощечину обществу; для второй постановки Верди был вынужден изменить координаты действия и переодеть героев в исторические платья. Спустя полтора века оперный театр едва можно представить без «Травиаты».
Сюжет оперы заимствован из романа и пьесы Александра Дюма-сына. Прототипом героини стала Мари Дюплесси, знаменитая парижская куртизанка: недолгое время она была любовницей писателя и умерла от туберкулеза в 23 года. В Париже под впечатлением от увиденной пьесы Верди и задумал «Травиату», которую поначалу хотел назвать «Любовь и смерть».
В екатеринбургском спектакле режиссер Алексей Степанюк развернул действие в условных бальных залах и гостиных, не злоупотребляя страстью к бытовым деталями, но подчеркивая вневременную эмоциональную природу музыки — в расчете на то, что происходящее не будет выглядеть лишь частным происшествием прошлого, но станет по-человечески задевать тех, кто находится в зале.
В японской трагедии — так Джакомо Пуччини определил жанр своей оперы «Мадам Баттерфлай» — происходит встреча Запада и Востока. Американский лейтенант Пинкертон обручается с гейшей, но вскоре отплывает из Японии и возвращается туда с женой-американкой: в Соединенных Штатах иностранные браки недействительны.
Итальянец Пуччини обратился к этой теме неслучайно: в то время Европа переживала очередную волну увлечения Востоком. В 1850-х годах Япония после двух веков изоляции открывает границу. На Всемирных выставках в Париже и Лондоне показывают японскую гравюру и графику — ей подражают Моне, Сезанн и Ван Гог; в моду входят женские платья свободного кроя наподобие кимоно; интерьеры заполняют бумажные фонарики, вазы и ширмы в японском стиле. Так появилась и «Мадам Баттерфляй»: в ней сочетались итальянская чувственность и восточная сдержанность, европейский оперный размах и ориентальное стремление к камерной форме.
Жанр спектакля в Урал Опере можно определить как опера-ожидание: внешнее действие лишено суеты, внимание сосредоточено на действии внутреннем — ожидании скорого возвращения Пинкертона, — и вместе с героями оперы зрители пристально всматриваются и вслушиваются в происходящее, боясь это возвращение пропустить. Режиссер Алексей Степанюк, следуя авторскому жанровому подзаголовку, со всей скрупулезностью и психологической глубиной выстраивает на сцене трагедию — глобальную трагедию конца традиционной японской культуры и личную — наивной и самоотверженной Чио-Чио-Сан.
Вечер одноактных балетов.
«Наяда и рыбак. Сюита» — избранные фрагменты балета на музыку Цезаря Пуни. Впервые балет был поставлен балетмейстером Жюлем Перро в Лондоне и затем перенесен в Петербург. Там в 1892 году его возобновил Мариус Петипа, а в 1903-м вернул на сцену Александр Ширяев, полностью заменив хореографический текст. Версию Ширяева и представит в Екатеринбурге балетмейстер Юрий Бурлака — всемирно признанный знаток музыки и хореографии русского балетного театра XIX столетия.
Brahms Party — новая версия балета Антона Пимонова «Любовные песни»: эту постановку пресса назвала «открытием нового языка, на котором на Урале еще не говорили». В новой версии по-прежнему звучат песни Иоганнеса Брамса из циклов Liedeslieber Waltzes и Neue Liedeslieber Waltzes, но теперь в спектакле действуют девять солистов: это редкий образец мужского балета.
Джордж Баланчин — важнейший хореограф ХХ столетия, он сформировал наши сегодняшние представления о классическом танце; исполнение его балетов — вызов для лучших балетных трупп. «Вальпургиеву ночь» Урал Балет исполнил впервые в России, заслужив высокую оценку экспертов нью-йоркского Фонда Баланчина и уральской публики. Этот балет на музыку из оперы «Фауст» — Баланчин в чистом виде, автор тезиса «балет это женщина», мастер зрелища без литературного сюжета, когда вся соль заключена в головокружительной смене темпов и ритмов, малых и больших ансамблей. Кристальную, как всегда у Баланчина, конструкцию венчает неожиданный финал — вакхическая пляска двадцати четырех танцовщиц.
При слове «богема» скорее можно представить высший артистический свет, собирающийся в салонах и ведущий красивую жизнь. В XIX веке этим французским словом стали называть экстравагантных и беспечных бедняков из числа актеров, художников, поэтов. В широкий обиход слово, которое можно перевести как «цыганщина», ввел Анри Мюрже — талантливый литератор, сам принадлежавший этому кругу. С его легкой руки жизнь богемы стала восприниматься как нечто крайне притягательное.
Вторым, кто обеспечил богеме столь завидную репутацию, стал Джакомо Пуччини. Спустя полвека после выхода романа Мюрже «Сцены из жизни богемы», композитор использовал его сюжет для нового сочинения. Сегодня «Богема» Пуччини входит в число популярнейших в мире опер. Однако итальянская опера обычно подразумевает бурные страсти, сильные характеры, драматические столкновения на фоне крупных исторических событий. В «Богеме» же, хоть она и написана итальянцем, ничего этого нет: она выглядит камерной и тихой, как мансарда на Монмартре, где обитают герои «Богемы». Это, возможно, самая интимная итальянская опера.
Таков и спектакль в Урал Опере. Тихую историю любви на фоне шумного праздника режиссер спектакля, петербуржец Александр Лебедев, представил в традиционном ключе: перед нами «Богема», какой ее могли видеть и Пуччини, и сами беспечные обитатели Латинского квартала в конце XIX века. Художник Игорь Иванов оглядывался на эскизы к первой постановке, что состоялась в Турине в 1896 году, — и уподобил екатеринбургскую «Богему» старинной рождественской открытке.
До сих пор ни одна из шестнадцати опер Мартину в России не ставилась. «Греческие пассионы» — последняя опера композитора: работа над ней проходила в 1954-59 годах и включала две редакции — 1957 и 1959 годов. В Екатеринбурге будет исполнена первая версия; либретто «Греческих пассионов» совместно с композитором создал греческий писатель Никос Казандзакис по мотивам собственного романа «Христа распинают вновь». Специально для постановки английское либретто на русский язык перевела Софья Аверченкова.
Вместе с недавними постановками Екатеринбургского театра — «Сатьяграхой» и «Пассажиркой» — опера Мартину образует трилогию. Эти сочинения объединяет не только факт первой постановки в стране и единая на три спектакля команда постановщиков — дирижер Оливер фон Дохнаньи и режиссер Тадеуш Штрассбергер, — но и тема непротивления злу и победы человека над обстоятельствами.
В Овальном фойе театра 1 ноября открылась выставка-презентация проекта. Режиссер Тадеуш Штрассбергер и художник Кевин Найт представили макет будущего спектакля, эскизы костюмов и рассказали о постановочных планах.
Для содействия в работе над оперой, чей сюжет тесно связан с евангельской тематикой, театр обратился к Митрополиту Екатеринбургскому и Верхотурскому Кириллу. Директор театра Андре Шишкин встретился с епископом среднуральским, викарием Екатеринбургской епархии Евгением (Кульбергом), чтобы обсудить тему оперы и религии, будущую постановку и творчество Мартину и Казандзакиса. Консультантом постановки от Екатеринбургской епархии РПЦ стал секретарь Епархиального совета игумен Вениамин (Райников).
В марте 2018 проект будет представлен в Москве в Посольстве Чешской республики. С приветственной речью выступит Чрезвычайный и полномочный посол Чешской Республики в РФ Владимир Ремек. В презентации примут участие директор театра Андрей Шишкин, постановщики спектакля и греческие партнеры проекта.
Кроме премьеры проект «”Греческие пассионы” первая постановка в России» включает ряд событий-спутников.
В феврале 2018 в центре Овального фойе будет установлен арт-объект, над которым по заказу театра работает один из екатеринбургских художников.
Попробовать себя в роли художников и принять участие в процессе создания спектакля смогут и сами зрители: в ходе работы над декорациями в театре пройдет воркшоп под руководством режиссера и сценографа Тадеуша Штрассбергера.
В конце февраля в декорационном цехе, обычно недоступном для зрителей, пройдет сценическая читка романа «Христа распинают вновь». Над постановкой работают драматург Ирина Васьковская и режиссер Дмитрий Зимин. В проекте участвуют артисты Свердловского областного театра драмы. После читки пройдет обсуждение произведения со специалистами по творчеству Казандзакиса Дионисиосом Марулисом и Ольгой Бобровой (Москва).
В марте 2018 года в театре пройдет симфонический концерт произведений Мартину — Симфония № 4 и кантата «Букет», которая будет исполнена в России впервые (дирижер — Оливер фон Дохнаньи). Также в кино-конференц зале Ельцин Центра пройдет концерт-презентация полного собрания сочинений, изданного Институтом Богуслава Мартину в Праге: камерные пьесы композитора исполнят артисты оркестра Театра оперы и балета.
«Лебединое озеро» — самый популярный и часто исполняемый балет в мире, и трудно поверить, что на премьере в 1877 году он провалился. Это именно тот случай, когда несчастье помогло: о первом балете Чайковского вспомнили в связи со смертью композитора, когда Мариинский театр начал готовил мемориальный спектакль. Тогда, в феврале 1894-го, хореограф Лев Иванов показал Большое па лебедей. Через год в дело включился Мариус Петипа: по его просьбе композитор и дирижер Риккардо Дриго заново скомпоновал партитуру, включив в нее другие сочинения Чайковского, а сам Петипа сочинил картины придворных празднеств, в том числе «черное па-де-де», куда включил и новейший трюк того времени — 32 фуэте.
В 1930-е Агриппина Ваганова, возобновляя балет в Ленинграде, придумала знаменитую лебединую позировку с закрытой рукой-крылом. В 1950 году Константин Сергеев, многолетний исполнитель партии принца Зигфрида, сделал новую редакцию — она и сегодня идет на сцене Мариинского театра и считается канонической. Именно эта версия украшает репертуар Урал Балета. Почтенное произведение петербургские постановщики представили, по слову критика, «радикально старомодно» — вернули ему былую основательность и лоск «большого стиля» во всем, от помпезного оформления до постановки рук у кордебалета лебедей.
Граф Ори, известный на всю Францию донжуан, ищет объятий прекрасной графини де Формутье, которая в отсутствие брата-крестоносца дала обет невинности — и для этого представляется то народным целителем, то монахиней. Джоаккино Россини разыграл этот сюжет с итальянским темпераментом, юмором и композиторской изощренностью. Его российские коллеги-постановщики сочинили необычайно легкий, стильный и пластически изысканный спектакль, созвучный стилю бельканто — стилю «прекрасного пения», в котором опера в 1828 году была написана.
Присутствие Россини в оперных афишах обычно ограничивают «Севильским цирюльником», и екатеринбургская постановка доказала, что это несправедливо. По сей день «Графа Ори» — одну из лучших опер не только у Россини, но вообще в комическом оперном репертуаре — среди российских театров можно увидеть только в Урал Опере.
«Жизель» считается одним из важнейших балетов в истории жанра: редкому спектаклю удалось задержаться на сцене на 180 лет хотя бы и с перерывами. К «Жизели» приложили руку множество хореографов, нет даже единого мнения, кто именно готовил парижскую премьеру в 1841 году: традиция приписывает авторство Жану Коралли и Жюлю Перро. Несмотря на успех, к концу XIX века романтическая история о вилисах — мстительных призраках девушек, умерших до свадьбы и любящих танцевать — стала казаться наивной и не зрелищной и сошла со сцены.
Единственным хранителем «Жизели» в это время оставался петербургский балет, где спектакль шел в постановке Мариуса Петипа. В 1910 году эту версию показала в Париже антреприза Сергея Дягилева, символически возвратив «Жизель» на родину — и в мировой репертуар. С тех пор балет уже не сходит с подмостков, а на его афишах принято указывать трех постановщиков — Коралли, Перро, Петипа.
В Екатеринбурге балет возобновлен в канонической версии. Что в старинной «Жизели» привлекает публику по сей день? История искренней, но обманутой любви. Эффектный контраст двух актов: день и ночь, быт и фантастика, многокрасочный сельский праздник и белый хоровод призраков в подвенечных платьях. Очарование старинной пантомимы. Идеальный художественный порядок танцевальных ансамблей. Наконец, обещание больших актерских открытий: среди балерин партия Жизели считается столь же трудной и ценится столь же высоко, как в драматическом театре — роль Гамлета.
На сцене Екатеринбургского театра оперы и балета «Князь Игорь» впервые появился в 1912 году. Постановка, которая открыла 100-й театральный сезон, стала одиннадцатой по счету. Для создания спектакля были приглашены выдающиеся театральные мастера: народный артист России, лауреат Государственной премии России Александр Лазарев (дирижер-постановщик), народный артист России Юрий Лаптев (режиссерпостановщик) и заслуженный художник России, лауреат Государственной премии СССР Игорь Иванов (художник-постановщик). Главный хормейстер театра заслуженный деятель искусств России и Башкортостана, народная артистка Башкортостана Эльвира Гайфуллина выступила в качестве хормейстера-постановщика. Балетмейстер Александра Тихомирова создала собственную хореографическую версию знаменитых Половецких плясок.
Екатеринбургский композитор Владимир Бочаров создал много произведений для детей — и «Морозко» тоже написал для самых маленьких зрителей. С этого спектакля хорошо начинать знакомство с оперой: динамичное действие оформлено как череда музыкальных номеров и разговорных сцен, кроме взрослых певцов на сцене действуют детский хор и танцовщики, а костюмы и декорации напоминают о старых добрых фильмах-сказках Александра Роу и Александра Птушко. И сам хозяин зимнего леса Морозко выходит приветствовать публику в зрительный зал.
«Щелкунчик» не нужно долго представлять — как не нужно объяснять, что такое Новый год. Играет по-моцартовски прозрачная увертюра, падает снег, медово светятся окна дома Штальбаумов, а в доме горит огнями рождественская елка. Потом елка вырастает, пряничные солдаты сражаются с крысами, кукла для колки орехов превращается в принца, и все отправляются в страну сластей.
Лучшей на сегодня версией «Щелкунчика» считается постановка Василия Вайнонена, что с 1934 года идет в Мариинском театре — ее исполняют и на сцене Урал Оперы. Из первоначального сценария Вайнонен изъял фантастику и мистику, превратив действие в сон героини, и предпочел обойти стороной мрачные сгущения партитуры — даже знаменитое финальное адажио, в котором нередко слышат трагедийную интонацию, он трактовал как музыку праздничную и торжественную.
Зрители, что впервые готовятся увидеть «Щелкунчика», вправе ждать уютного и красочного спектакля-праздника, — но и те, кто идут на балет Вайнонена во второй и третий раз, будут щедро вознаграждены. Музыка и хореография «Щелкунчика» лишь кажутся хорошо знакомыми: можно долго вслушиваться в прихотливый оркестровый поток, где моцартианские фрагменты уживаются с кульминациями в духе Вагнера; в деталях изучать устройство кордебалетных ансамблей Вайнонена; восхищаться редким музыкальным и пластическим остроумием в сюите национальных танцев — и в конце концов обнаружить, что «Щелкунчик», хотя и признан классикой, есть произведение во многом неожиданное.
В 1876 году Петипа привлекла идея балета «Баядерка». Он составил план сценария, к работе над которым привлек журналиста, критика и историка балета Сергея Николаевича Худекова (1837–1927). Он взялся за разработку сюжета, в основе своей имевшего драму древнеиндийского поэта Калидасы «Сакунтала, или Узнанная по кольцу».
Первоисточником балета Петипа стала, однако, не сама древняя драма, а французский балет «Сакунтала» по сценарию Готье. Петипа переплавил чужой материал так, что он сделался для него своим, вошел в его собственное произведение органически, приобрел черты новизны. На первый план вышла характерная для русского искусства того времени тема стремления к счастью, любви и свободе.
Музыка «Баядерки» была заказана постоянному сотруднику Петипа Минкусу. В хореографии органично слились драма и лирика. На пестром фоне дивертисментных танцев развивалась драма Никии. Премьера состоялась 23 января (4 февраля) 1877 года в петербургском Большом Каменном театре. Балет, относящийся к высшим достижениям хореографа, быстро завоевал признание и более 125 лет идет на сценах России.
«Тщетная предосторожность» — это одно из самых старых балетных названий. Спектакль с оригинальным названием La Fille mal garde в дословном переводе означает «Плохо присмотренная дочь».
Впервые его поставил в Бордо 1 июля 1789 года французский хореограф Жан Деберваль. С тех пор, на какой бы сцене и в какие времена не появлялся этот балет, он всегда собирает полные залы потому, что это история не про заколдованных принцев и принцесс, а про обыкновенных людей, похожих на нас с вами, что всегда и подкупает публику.
Примечательно, что это единственный дошедший до зрителя классический балет, в котором герои были современниками в день премьеры.
Для меня эта работа — возможность самому вернуться в детство и заново пережить яркие эмоции, которые испытывал, посещая с родителями театр. Надеюсь, что наш спектакль подарит и маленьким, и взрослым зрителям Сказку, Счастье, Радость и Добро — то, ради чего люди приходят в театр.
Сказка — это совершенно особая история, которая помогает нам вновь обрести «память детства», этого утраченного рая, из которого мы все попадаем в реальность зрелой жизни. Наша «Снежная королева» дает возможность взрослым зрителям вспомнить свои детские ощущения от пахнущей морозом хвои и сверкающего снега, испытать сильные эмоции, связанные с чудом преображения «ледяного сердца».
«Снежная королева» не сводится к истории мальчика, которого злая фея унесла на Северный полюс. Наш балет — о том, как легко потерять контакт с близкими людьми, даже оставаясь рядом с ними. Это спектакль-путешествие: в поисках себя героиня должна отправиться в долгий путь, проявить мужество и пройти испытание тьмой и холодом. Нельзя сказать, куда именно идет Герда: царство Снежной королевы — не конкретная точка на карте, оно внутри человека. Мы приготовили красочный детский спектакль, и он будет интересен зрителям всех возрастов: хорошее детское произведение всегда многослойно. Как я для себя определил, это сказка для детей — и взрослых, которые испытывают недостаток внимания. Возможно, кто-то из них сам однажды побывал в чертогах Снежной королевы.
В художественном решении декораций для спектакля отправной точкой стал скандинавский минимализм. В этом ключе строилась архитектура спектакля, предметный ряд, схемы расстановки с ориентиром на простые, понятные формы и чистоту линий. Мы объединили минимализм с элементами винтажа и видео поддержкой. Главным элементом оформления стал Дом, который зримо и незримо присутствует во всех сценах. Дом и ландшафт представляют собой одно целое и работают как единый организм, трансформируясь в различные пространства, раскрываясь, как два мира — теплый и холодный. Несмотря на то что спектакль рассчитан на детей, мы намеренно уходили от излишней «детскости» и «кукольности», стараясь использовать приемы, интересные и взрослым, в том числе.
У этого балета несколько слоев, каждый зритель увидит в нем то, что близко именно ему. Дети — прежде всего, внятно рассказанную историю, фантастически сделанных троллей и романтиков с большой дороги, которыми лихо командует Маленькая разбойница. Балетоманы — насмешливую игру хореографа со старинным балетом (торжественный выход свиты Снежной королевы и мамонт, на котором выезжает сама северная властительница, напомнят, конечно же, шествие в «Баядерке» с незабываемым его слоном, а развернутая сцена в оранжерее с танцами цветов передаст привет «Оживленному саду» из «Корсара»; игра эта есть и в партитуре, специально созданной для балета композитором Артемом Васильевым). Философ же, которым может быть и ребенок, и балетоман, вдруг обнаружит, что это история не физического, а душевного путешествия — ведь в финале Герда сорвет белые покрывала в ледяном дворце, и под ними обнаружится безобидная бабушкина мебель.
Последняя опера последнего классика итальянской оперы, «Турандот» осталась недописанной. По черновикам Пуччини ее в разное время завершали разные композиторы. Урал Опера обращается к первому по времени, традиционному финалу авторства Франко Альфано — счастливому финалу, в котором неприступная китайская принцесса отвечает на поцелуй Неизвестного принца, претендента на ее руку, отгадавшего три ее загадки и таким образом избежавшего казни.
Дебютирующий в Екатеринбурге французский режиссер Жан-Ромен Весперини и художник Дирк Хофакер (он работал над постановкой «Евгения Онегина») обещают показать на сцене сказочный средневековый Китай во всем восточном великолепии и богатстве. Режиссер объясняет свой метод: «Меня не интересуют интеллектуальные концепции, а вот с партитурой и либретто я работаю, и это такая редкость по нынешним временам».
Новогоднюю декаду Урал Опера отмечает традиционными Рождественскими концертами, в которых уживаются уютный дух домашнего зимнего праздника и торжественная атмосфера гала в оперном театре — с вечерними нарядами, бокалами с шампанским и блеском праздничных огней.
Программа охватит три столетия мировой музыки: номера из опер Россини, Верди и Пуччини, американская легкая музыка ХХ столетия, фрагменты опер-балетов эпохи барокко. На сцене предстанет вся труппа театра — солисты оперы, балет, хор, детский хор, симфонический оркестр.
Расписание и возможность купить билеты на мероприятия предоставлена партнёром E1 -
Яндекс.Афиша.
Сообщение в диалоговом окне покупки о том, что билеты на мероприятие отсутствуют, не
означает недоступности билетов в других источниках.
Реклама на Е1
