Исполняется на французском языке с титрами на русском языке.
Для новой, тринадцатой по счету, екатеринбургской «Кармен» избрана авторская редакция оперы, в которой место речитативов занимают разговорные диалоги на французском языке. Арии «Кармен» режиссер Александр Титель услышал как «набор шансонов» и предложил артистам петь (а публике — слушать) так, если бы их исполняли Мирей Матье, Эдит Пиаф и Шарль Азнавур.
Действие разворачивается в южном испанском городе времен диктатуры Франко. Улицы раскалены добела, улицы изнемогают и ждут происшествий, все находятся в постоянном движении: едет набитый людьми трамвай, в грузовиках едут контрабандисты, народ стремится на арену в ожидании корриды. Каждый из четырех актов увиден и услышан сквозь призму конкретного жанра — мюзикла, лирической драмы, экшена, трагедии, — а решающее влияние на поэтику спектакля оказал кинематограф, ленты классиков неореализма, Роберто Росселини и Витторио де Сика. Новая «Кармен» в Урал Опере — все та же прекрасная француженка, но теперь ей придан более строгий силуэт.
«Лебединое озеро» — самый популярный и часто исполняемый балет в мире, и трудно поверить, что на премьере в 1877 году он провалился. Это именно тот случай, когда несчастье помогло: о первом балете Чайковского вспомнили в связи со смертью композитора, когда Мариинский театр начал готовил мемориальный спектакль. Тогда, в феврале 1894-го, хореограф Лев Иванов показал Большое па лебедей. Через год в дело включился Мариус Петипа: по его просьбе композитор и дирижер Риккардо Дриго заново скомпоновал партитуру, включив в нее другие сочинения Чайковского, а сам Петипа сочинил картины придворных празднеств, в том числе «черное па-де-де», куда включил и новейший трюк того времени — 32 фуэте.
В 1930-е Агриппина Ваганова, возобновляя балет в Ленинграде, придумала знаменитую лебединую позировку с закрытой рукой-крылом. В 1950 году Константин Сергеев, многолетний исполнитель партии принца Зигфрида, сделал новую редакцию — она и сегодня идет на сцене Мариинского театра и считается канонической. Именно эта версия украшает репертуар Урал Балета. Почтенное произведение петербургские постановщики представили, по слову критика, «радикально старомодно» — вернули ему былую основательность и лоск «большого стиля» во всем, от помпезного оформления до постановки рук у кордебалета лебедей.
Граф Ори, известный на всю Францию донжуан, ищет объятий прекрасной графини де Формутье, которая в отсутствие брата-крестоносца дала обет невинности — и для этого представляется то народным целителем, то монахиней. Джоаккино Россини разыграл этот сюжет с итальянским темпераментом, юмором и композиторской изощренностью. Его российские коллеги-постановщики сочинили необычайно легкий, стильный и пластически изысканный спектакль, созвучный стилю бельканто — стилю «прекрасного пения», в котором опера в 1828 году была написана.
Присутствие Россини в оперных афишах обычно ограничивают «Севильским цирюльником», и екатеринбургская постановка доказала, что это несправедливо. По сей день «Графа Ори» — одну из лучших опер не только у Россини, но вообще в комическом оперном репертуаре — среди российских театров можно увидеть только в Урал Опере.
Не случись Рихарду Вагнеру по пути из Риги в Лондон попасть на море в ужасную бурю, оперный театр недосчитался бы одного из шедевров: отголоски той бури сегодня можно услышать в «Летучем голландце». В основе оперы — легенда о корабле-призраке, который бесприютно скитается по морям. Раз в семь лет капитану судна, Голланду, разрешается сойти на берег, и, если там он встретит девушку, готовую навеки стать его супругой, он будет спасен.
В Урал Опере «Летучий голландец» был поставлен впервые, появившись в репертуаре к 200-летию со дня рождения Вагнера — композитора, который во второй половине XIX века круто изменил путь развития европейского оперного театра. По словам английского режиссера Пола Каррена, это «история о любви, свободе и долге. А еще о том, что если ты идешь против толпы, то нужно быть очень сильным». Его спектакль лаконичен, суров и полон романтической патетики — в совершенном согласии с музыкой Вагнера, слогом старинных легенд и штормовым духом северных морей.
«Щелкунчик» не нужно долго представлять — как не нужно объяснять, что такое Новый год. Играет по-моцартовски прозрачная увертюра, падает снег, медово светятся окна дома Штальбаумов, а в доме горит огнями рождественская елка. Потом елка вырастает, пряничные солдаты сражаются с крысами, кукла для колки орехов превращается в принца, и все отправляются в страну сластей.
Лучшей на сегодня версией «Щелкунчика» считается постановка Василия Вайнонена, что с 1934 года идет в Мариинском театре — ее исполняют и на сцене Урал Оперы. Из первоначального сценария Вайнонен изъял фантастику и мистику, превратив действие в сон героини, и предпочел обойти стороной мрачные сгущения партитуры — даже знаменитое финальное адажио, в котором нередко слышат трагедийную интонацию, он трактовал как музыку праздничную и торжественную.
Зрители, что впервые готовятся увидеть «Щелкунчика», вправе ждать уютного и красочного спектакля-праздника, — но и те, кто идут на балет Вайнонена во второй и третий раз, будут щедро вознаграждены. Музыка и хореография «Щелкунчика» лишь кажутся хорошо знакомыми: можно долго вслушиваться в прихотливый оркестровый поток, где моцартианские фрагменты уживаются с кульминациями в духе Вагнера; в деталях изучать устройство кордебалетных ансамблей Вайнонена; восхищаться редким музыкальным и пластическим остроумием в сюите национальных танцев — и в конце концов обнаружить, что «Щелкунчик», хотя и признан классикой, есть произведение во многом неожиданное.
«Риголетто» остается в репертуаре Урал Оперы с первого сезона, лишь время от времени меняя сценический наряд. Новой постановкой оперы Верди в нашем театре дебютировал Алексей Франдетти — режиссер, актер, автор и переводчик либретто, двукратный обладатель премии «Золотая маска». Франдетти обрел признание как режиссер мюзиклов, и екатеринбургский зритель знает его по нескольким работам в Театре музыкальной комедии.
«Наша версия «Риголетто» — психологический триллер, оммаж Альфреду Хичкоку — и по тому, как я вижу вердиевскую историю изнутри и работаю с артистами над ролями, и по визуальной составляющей. Нам важно поговорить о природе «залюбленности» — о тех катастрофах в человеческих отношениях, к которым ведут чрезмерные любовь и опека. Для меня тема любви Риголетто к своей дочери является в опере главной».
Премьера спектакля стала инаугурацией нового главного дирижера театра — Константина Чудовского. Для работы над спектаклем он пригласил итальянского вокального педагога Массимилиано Булло, в течение сорока лет служившего в миланском Ла Скала: «Маэстро Булло, выросший рядом с великим Риккардо Мути, стал нашим проводником в итальянскую музыку, — о которой мы в России имеем весьма поверхностное представление. Вместе мы уже поставили восемь итальянских опер, разбирая каждую партитуру по тактам: могу сказать, что впитал опыт старых мастеров Ла Скала, и теперь свое невероятное мастерство педагог передал екатеринбургским певцам».
Исполняется на итальянском языке с титрами на русском языке.
С оперы «Набукко», третьей в карьере Джузеппе Верди, началась его слава. Основана она на событиях, описанных в Библии (Четвёртая книга Царств, главы 24, 25), и повествует о бедствиях евреев, об их пленении вавилонянами, а затем — отпущении на родину царем Вавилона Навуходоносором II. Премьера оперы состоялась в 1842 году на сцене миланского «Ла Скала» — в Урал Опере она будет поставлена впервые.
Набукко в начале оперы — поклонник ассирийского идола Ваала, он оскорбляет веру иудеев, провозглашает себя Богом, и в наказание за дерзость лишается рассудка: искупить вину и прийти к новой вере ему помогает любовь к дочери Фенене. Постановщики екатеринбургского спектакля смещают центр повествования с Набукко на его вторую, внебрачную дочь Абигайль, которая узнав о своем низком происхождении, отвергает отца и захватывает власть. В спектакле появится мимическая роль Души Абигайль, обитающей в песках бескрайней пустыни как в своеобразном чистилище. Душа Абигайль вспоминает о своей прошлой земной жизни и пытается исправить совершённые ошибки.
Вальпургиева ночь
музыка Шарля Гуно
Постановка балета «Вальпургиева ночь» (Walpurgisnacht Ballet) подготовлена в сотрудничестве с Фондом Джорджа Баланчина (Нью-Йорк) и выполнена в соответствии со стандартами стиля и техники Баланчина.
Pas de deux из балета «Талисман»
музыка Риккардо Дриго, Цезаря Пуни
хореография: Петр Гусев (1955)
Путь Харона
музыка Георга Фридриха Генделя
(Lascia ch'io Pianga из оперы «Ринальдо», 1711)
хореография: Константин Кейхель (2012)
Весенние воды
музыка Сергея Рахманинова
(романс «Весенние воды», соч.14 №11, 1896)
хореография: Асаф Мессерер (1956)
Инстинкт
музыка Ondekoza
хореография: Константин Хлебников (2018)
Танец басков из балета «Пламя Парижа»
музыка Бориса Асафьева
хореография: Василий Вайнонен (1932)
Pas de deux из балета «Пламя Парижа»
музыка Бориса Асафьева
хореография: Василий Вайнонен (1932)
Дон Кихот(третий акт балета)
хореография Александра Горского (1900)
постановка и редакция Юрий Бурлака (2019)
«Волшебная флейта» — не совсем опера. Это зингшпиль, то есть пьеса с пением на немецком языке — площадной развлекательный жанр, чрезвычайно популярный во времена Моцарта. Музыкальные номера в нем на равных правах соседствуют с продолжительными разговорными частями: иногда зингшпиль называют мюзиклом XVIII столетия. Он позволяет рассказать сколь угодно фантастическую историю — с машинными эффектами и всяческими театральными волшебствами. Именно фантастически-сказочный сюжет и предложил Моцарту антрепренер и либреттист Эммануэль Шиканедер.
Для Урал Оперы британские постановщики придумали разыграть «Волшебную флейту» в стиле стимпанк. Это слово происходит от английского steam, «пар». В конце ХХ века стимпанк стал жанром научной фантастики: викторианская Англия 1850-х, люди бредят научным прогрессом, который приведет человечество к вечному благу; в мире начался индустриальный бум, повсюду устроены лабиринты трубопроводов, действуют паровые машины и фантастические механизмы.
Все это образовало неожиданную связку с сюжетом «Волшебной флейты», главный герой которой, Тамино, в буквальном смысле проходит испытания огнем, водой и медными трубами ради счастья со своей возлюбленной Паминой. Чтобы не дать зрителю ни на минуту отвлечься от действия, режиссер Дэниэл Слейтер переписал разговорные диалоги, а екатеринбургский художник Александр Черепанов нарисовал сопровождающий действие комикс.
Первая постановка оперы состоялась 31 марта 1901 года на сцене Национального театра Праги (Чехия). Со дня триумфальной премьеры «Русалка» украшает репертуар чешских театров. Сочинение Антонина Дворжака популярно и на мировых сценах. К шедеврам оперного искусства принадлежит ария Русалки из I действия Mesicku na nebi hlubokem.
Вся музыка «Русалки» – самобытно национальна, а вместе с тем типично дворжаковская. В основе либретто оперы – различные старинные легенды о русалке, полюбившей человека, который изменил ей, жестоко обидел и потому погиб. Образ русалки, ундины, который встречается в фольклоре многих народов, на протяжении нескольких веков будоражит воображение композиторов, писателей и художников.
Ярослав Квапил, заимствовав отдельные сюжетные линии из «Русалочки» Ханса Кристиана Андерсена, «Ундины» Фридриха де ла Мотт Фуке и «Потонувшего колокола» Герхарта Гауптмана, сумел придать либретто черты национального своеобразия, населив его героями чешских сказок (Водяной, Ежи-баба, Лесовички) и чешской жизни (Лесник, Поваренок). Романтический конфликт двух миров – мира природы, стихии и мира людей – благодаря музыке Антонина Дворжака превратился в глубоко волнующий рассказ о всепобеждающей любви, не отступающей перед страданиями и самой смертью.
В 2016 году музыкальный мир отметит 125 лет со дня рождения великого композитора, и первой прокофьевской премьерой в Екатеринбургском театре оперы и балета станет «Ромео и Джульетта» в оригинальной хореографии Вячеслава Самодурова.
Первую версию знаменитой шекспировской истории любви хореограф ставил по заказу Королевского балета Фландрии в 2014 году, премьеры состоялись в Антверпене и Генте.
Но для екатеринбургской сцены он готовит новый спектакль, прихватив из бельгийской постановки лишь несколько оригинальных идей: огромную трехъярусную конструкцию, отсылающую к знаменитому шекспировскому театру «Глобус», платья с принтами картин художников эпохи Возрождения и длинными шлейфами, обеспечивающими особую навигацию дамам на балу.
На этот раз Самодуров не просто сочиняет танцы, но ставит своим артистам серьезные актерские задачи, с которыми им не приходилось сталкиваться прежде ни в одном из его спектаклей.
Опричник Грязной полюбил боярыню Марфу Собакину, но она просватана за другого, а любовница Грязного Любаша хочет сжить со свету соперницу, которую вскоре избирает своей невестой сам Иван Грозный. Ревность, заговор, яд и приворотное зелье — любовь и смерть, без которых не обходится настоящая опера, безраздельно властвуют в Царской невесте, одной из лучших классических русских опер.
Николай Римский-Корсаков закончил ее в 1898 году. XIX век на излете, оперный театр порывает со старыми формами в поисках новой выразительности, на горизонте маячат художественные революции следующего столетия — и вдруг в Царской невесте в последний раз пышным цветом расцветает все, от чего решительно отказались коллеги Римского-Корсакова. Стихотворное либретто, номерная структура с ариями, дуэтами и ансамблями, мелодраматический пафос и главное — соотношение реально-исторического и вымышленного, народного и частного: хотя действие происходит во времена опричнины, а несостоявшаяся женитьба Марфы Васильевны Собакиной и Ивана Грозного действительно имела место в 1572 году, в Царской невесте исторические реалии остаются лишь фоном для человеческой трагедии.
На сцене Урал Оперы идет реплика спектакля Большого театра 1966 года с декорациями и костюмами Федора Федоровского, знаменитого театрального художника советской эпохи. Это образцовая постановка не только в музейном смысле — возможность увидеть в ХХI веке, как выглядела опера полвека тому назад, — но и в смысле эстетическом. Декорации превращают оперный спектакль в еще большую условность — да так, что слушаешь как зачарованный, ничего не анализируя и не запоминая.
Последняя опера последнего классика итальянской оперы, «Турандот» осталась недописанной. По черновикам Пуччини ее в разное время завершали разные композиторы. Урал Опера обращается к первому по времени, традиционному финалу авторства Франко Альфано — счастливому финалу, в котором неприступная китайская принцесса отвечает на поцелуй Неизвестного принца, претендента на ее руку, отгадавшего три ее загадки и таким образом избежавшего казни.
Дебютирующий в Екатеринбурге французский режиссер Жан-Ромен Весперини и художник Дирк Хофакер (он работал над постановкой «Евгения Онегина») обещают показать на сцене сказочный средневековый Китай во всем восточном великолепии и богатстве. Режиссер объясняет свой метод: «Меня не интересуют интеллектуальные концепции, а вот с партитурой и либретто я работаю, и это такая редкость по нынешним временам».
Кастаньеты, гитары, тамбурины, плащи, веера, клинки; болеро, сегидилья, фанданго; парад тореадоров на барселонской площади, сон в виде Большого классического па, финальный залп тридцати двух фуэте — и рыцарь с тазом на голове, который путешествует из картины в картину. Так «Дон Кихот» выглядит уже полтора века: хореограф Мариус Петипа сочинил это испанское каприччио с музыкой Людвига Минкуса в 1869 году.
31 год спустя Александр Горский поставил нового «Дон Кихота», взяв сценарий Петипа и музыку Минкуса. Спектакль оформили Константин Коровин и Александр Головин: впервые в балете живописное движение цвета было неразрывно связано с движением танцовщиков. Для русского балета наступила новая эпоха, а постановка Горского стала прототипом почти всех балетных «Дон Кихотов» мира.
Для премьеры в Урал Балете было решено максимально очистить балет Горского от советских наслоений и вернуть ему изначальный облик, используя эскизы Головина и Коровина. Это не реконструкция спектакля 1900 года, — но попытка воссоздать его образ во всех красках.
В программе концерта: сюиты из классических балетов, концертные номера в исполнении учащихся 1–5 балетных классов и студентов 1 курса Уральского хореографического колледжа.
.
Расписание и возможность купить билеты на мероприятия предоставлена партнёром E1 -
Яндекс.Афиша.
Сообщение в диалоговом окне покупки о том, что билеты на мероприятие отсутствуют, не
означает недоступности билетов в других источниках.
Реклама на Е1
